Encuentros de Cine

2011-12-16T05:07:00.001-08:00

Nos trasladamos a: www.encuentrosdecine.com

(en construcción)

Melancholia, de Lars von Trier

2011-12-16T05:01:00.001-08:00

La vida en la Tierra es malvada. Así de rotunda es su Melancholia, la nueva obra del director danés. De igual forma se presentan sus anteriores películas, pequeñas muestras de crueldad, del mal que habita en el ser humano. Von Trier insiste en desenmascarar la maldad del hombre, y si en Dogville éramos nosotros mismos los que ajusticiábamos y aniquilábamos al ser humano, ahora es la propia naturaleza la que termina con la humanidad entera. La melancolía nos mata. La melancolía destruye al Planeta Tierra. ¿Desenmascara ahora, el director, la maldad del cosmos? El paso de la maldad humana a la vida malvada de la tierra…

Veamos las dos partes de la película. En un primer momento describe la boda de Justine, desde la llegada de los novios hasta el triste desenlace. Después, la llegada y el impacto de un nuevo planeta: Melancholia. No esperen grandes efectos especiales, ni disparos, ni al presidente de los EE.UU alertando a la población. Von Trier es fiel a su estilo: minimalista, sencillo y provocador en su artificiosa desnudez. ¡Qué más da cómo sea el planeta! ¡Ni su interés mediático! ¡Ni cómo reaccionarán X millones de habitantes! Al director sólo le interesa la impresión que causará en personajes muy concretos, que representan a otros muchos… Le interesa la poderosa metáfora que hay tras él: la belleza de una muerte melancólica, la poesía visual de un mundo que cierra los ojos ante tanto dolor.

Pensemos en la primera parte: la boda de Justine. De nuevo, la cámara en mano de von Trier se pasea entre los personajes, observa, nos hace partícipes del discreto encanto de la burguesía. Carcajadas que desprecian. Sonrisas que solicitan favores. Los personajes de la encantadora comunidad de Dogville han sido invitados a esta ceremonia y, poco a poco, enseñan sus colmillos. El director ya destapa en ese primer capítulo la suciedad humana, su falsedad, su avaricia, siempre acompañadas de una buena copa de vino para festejar tanta hipocresía.

Durante la boda observamos la luz de Melancholia en el cielo, y su presencia se hace omnipresente y avanza en sintonía con el triste desenlace de los recién casados. Será Justine el único personaje que vea en Melancholia la llegada de la muerte. Von Trier sugiere a través de ciertos detalles su fuerte capacidad de intuición, de saber. La felicidad inicial de la protagonista deja paso a una tristeza progresiva, que entendemos mejor durante la segunda parte de la película, cuando Justine ha enfermado y se halla en casa de su hermana Claire.

¿Depresión? Justine simboliza algo más bello y poético, a mi entender. La enfermedad de Justine es la aceptación de la muerte. Von Trier traza un espacio romántico a través de la imagen, tan decimonónica, reforzando la sensación de una lucha irreversible. Sin embargo, esa aceptación no la lleva a crear, sino a restar en silencio, a la espera, en una actitud nihilista, a diferencia de Claire, quien, tras la boda, sigue haciendo de la vida un artificio, un ritual. Su hacer es precisamente el no hacer, la parálisis, y ahí von Trier resulta tremendamente destructivo.

Melancholia ya ocupa gran parte del cielo y, aunque John quiera convencer a su hijo Leo y a Claire de lo contrario, la llegada del planeta parece inminente. Saquemos el champagne, reunámonos todos, construyamos una casita de madera que nos proteja… Claire, a diferencia de Justine, huye, elude a la muerte, e inventa. Esa es precisamente la representación de la sociedad del vacío, aquella que no acepta la nada y huye del nihilismo creando artificios. La sociedad que construye, que organiza, que calcula, que imagina… La sociedad platónica que mira hacia el cielo.

¿Y John, el marido de Claire? ¿Y su hijo? También ellos reaccionan de formas distintas ante la llegada del planeta misterioso. John es un personaje que igual rechazamos que compadecemos. Aquel que en primer lugar representa la seguridad paterna, la protección, la masculinidad; pero también el miedo, la flaqueza y, sobre todo, la cobardía. Comparte su afición a la astrología con su hijo, seguramente el personaje más puro, el que desde un principio se asombra ante la naturaleza, con ingenuidad, con fascinación por lo desconocido. El único que apaga su mirada pura e infantil y duerme cuando Melancholia invade la pantalla.

Melancholia nos atrapa desde el primer fotograma, mientras oímos a Wagner, preludio de Tristán e Isolda, mediante imágenes congeladas que más tarde cobrarán movimiento durante la historia. Imágenes que marcan el estilo poético, gracias a una fotografía sublime, hasta llegar al desenlace de la película. Seguramente von Trier haya filmado el más bello fin del mundo, y nos haya cogido desprevenidos. La actitud casi religiosa de Claire habla de una forma de enfrentarse a la vida que el danés no atribuye a ninguna sociedad concreta. El ser humano es un ser religioso, un ser que tiene miedo a lo desconocido, pánico a lo sobrenatural. Un ser que busca respuestas a fenómenos inexplicables… La fe, entonces, se convierte en su refugio, en su escapatoria. No se trata de ninguna religión en particular, sino de la fe, de la necesidad de creer en algo, y de hallar protección frente al vacío. Tenemos pánico al vacío. Tenemos miedo a la nada. Tal vez por esta razón, al aceptar la muerte, Justine toma ese aspecto enfermizo, que encierra la belleza de la aceptación melancólica de la muerte. De ahí su estética romántica, decadente, wagneriana. ¿Cuál es, entonces, el destino del mundo sin un contenido religioso?

¿Qué es Melancholia? Los personajes y el espectador se lo preguntan. ¿La naturaleza? ¿Dios? ¿La melancolía? … No hay una única respuesta, pues eso significa reducir enormemente el significado de la película. Alguien me dijo ¡Melancholia no trata sobre el fin del mundo! Efectivamente, la obra de Von Trier no debe tener una única lectura, pues esa melancolía es tal vez aquella que todos albergamos y, como la buena poesía, todos la vivimos de manera distinta.

48 Hour Film Project llega a Barcelona en Junio 2011

2011-04-30T04:24:00.000-07:00

El Barcelona 48 Hour Film Project

El 48 Hour Film Project llega por primera vez a Barcelona en 2011. Cineastas de toda España competirán para ver quién puede hacer el mejor cortometraje en sólo 48 horas. La película ganadora competirá en EEUU con las mejores películas de todo el mundo para el título de "Mejor 48 Hour Film de 2011".

¡Inscríbite hoy mismo! Las plazas son limitadas.

Los equipos serán aceptados por orden de inscripción.

Una vez que el registro inicial se haya completado con el total de equipos, se aceptan equipos en una lista de espera. Si un equipo inscrito abandona o cancela su participación por motivos recogidos en las bases, éste será sustituido por los equipos suplentes pertenecientes a la lista de espera.

Si hay suficiente interés, y se puede garantizar el tiempo adicional con el teatro, se podrán agregar más equipos al concurso.

El Precio de la Inscripción anticipada es de 100 €. Los equipos deben inscribirse antes del lunes 23 de mayo para obtener esta tarifa especial. Posteriormente, el registro tendrá un precio de 120 €.

Inscribite ahora!

Si quieres acceder a la página oficial del Festival, pulsa aquí

Para contactar con el director del 48 Hour Barcelona:

Stelvio Attanasi

48HFP Spain City Producer
stelvio.attanasi@gmail.com
0034 655 13 5004

Up, de Pete Docter

2011-04-22T11:12:00.000-07:00

Si todavía no habéis visto esta maravillosa película de Disney / Pixar, os dejamos con una pequeña "tapa" para que empecéis a degustarla ...

La historia de Carl, un anciano que logra hacer realidad el sueño de su vida al atar miles de globos a su casa y volar hasta las selvas de Sudamérica... Y es que desde pequeña Ellie (su mujer) soñó con explorar Sudamérica y conocer "Paradise Falls", pero falleció sin que pudiera haber tenido la oportunidad. Ahora, cuando amenazan con demoler la casa de los Fredericksen para construir una heladería, Carl decide cumplir su promesa. Para ello hará volar su casa, atándole miles de globos de helio...

La siguiente escena abre la película, en una de las historias de amor más bellas y silenciosas del cine ... En tan sólo cuatro minutos toda una vida, de emociones y tristezas, presenta el personaje principal de Up, Carl, y su matrimonio con Ellie.

Cinco minutos que llegan a convencernos de que el amor 'para siempre' existe ... Y si no, mirad ...

Críticas de Marzo - Abril

2011-04-06T14:47:00.000-07:00

Inside Job

En este momento no se me ocurre nada más aterrador que la realidad económica ...

Este nuevo documental describe un mundo descompuesto, las trincheras de la globalización ... Un acercamiento al más puro estilo Michael Moore, sobre la debacle financiera de 2008 que se originó en Estados Unidos y se propagó al resto del planeta.

“Lo siento, no lo volveremos a hacer”, dijeron los financieros. La mayoría de ellos, ahora forman parte del gobierno de Obama. Resignados, impotentes y muy cabreados ante tanto cinismo, tanta hipocresía, tanto cachondeo .. Así salimos del cine. Pero esos hombres con corbata que han arruinado a tantas personas humildes, continúan teniendo un gran poder político. Y nosotros, ¿qué? Nada. A otra película...

Chico y Rita

Para Encuentros de Cine, de las mejores películas del año. La historia, el guión, la animación, la banda sonora... ¡salimos emocionados del cine! Que no os haga dudar el hecho de que sea de 'dibujos', prejuicio que debería superarse de una vez por todas. Desde aquí os animamos a que la veais antes de que salga de cartelera;

Una historia de amor cercana, romántica, dramática y soñadora... entre Cuba y Nueva York, la calle y la fama, la pobreza y el estrellato ... No queremos desvelaros nada más... descubridla vosotros mismos, os aseguro que no os arrepentiréis.

Atrapado en el tiempo, de Harold Ramis

2011-03-21T15:14:00.000-07:00

Esta comedia protagonizada por Bill Murray se ha convertido en un pequeño clásico. ¡Hoy es el día de la marmota! ¿Quién no recuerda esta frase...?
Os dejo con una escena que ya ha quedado grabada en nuestras retinas ...

Les daré un pronóstico para el invierno: será frío, oscuro y durará... el resto de sus vidas.

Cuestión de Principios, de Rodrigo Grande

2011-03-15T11:28:00.000-07:00

Cuestión de Principios aterriza en nuestras carteleras con ánimo de convertirse en la nueva propuesta argentina del momento. Después de la galardonada El secreto de sus ojos, puede que esperáramos encontrarnos con otra pequeña gran sorpresa. Sin embargo, no ha sido así.

Todavía no se muy bien si se trataba de una comedia fallida, o de algo con toques de humor desafortunados. En cualquier caso, lo que sí recuerdo es una historia que, en demasiadas ocasiones, roza la previsibilidad. Y tanta previsibilidad en torno a casi dos horas de metraje, al final, aburre.

Afortunadamente, en la pantalla aparecen rostros de la talla de Federico Luppi o Norma Aleandro, que facilitan, gratamente, la digestión. Sin embargo, acostumbrados al tipo de personaje/hombre que gira en torno a Federico Luppi, recordemos Matin (Hache) o Lugares Comunes, esta última Cuestión de Principios parece forzar demasiado la imagen del hombre correcto, sabio, justiciero y moralista que tan bien sentó en anteriores películas.

El dinero no lo puede comprar todo. Efectivamente, con estas palabras se dirige Castilla (Luppi), modesto empleado, a su nuevo y joven jefe (Pablo Echarri). A partir de aquí ... ¿cómo reaccionará la familia de Castilla? ¿Cómo reaccionarán sus compañeros de trabajo? ¿Terminará Castilla vendiendo aquello que el dinero no puede comprar?

Un juego de personajes y situaciones pondrán a prueba los firmes principios de un Luppi que tratará de encajar sus palabras con sus actos .. un pack que, hoy en día, no se encuentra ni en el fnac.

Encuentros de Cine participa en el Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada

2010-10-21T03:29:00.000-07:00

Sólo faltan unos pocos días para que empiece el esperado Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada, que tendrá lugar del 23 al 30 de Octubre.

El Teatro Isabel La Católica, la Filmoteca de Andalucía, el Palacio de los Condes de Gabia y el Aliatar Cinemas serán las cuatro localizaciones encargadas de proyectar las sesiones de este año.

Encuentros de cine tiene el placer de participar con su reciente cortometraje, 'Corta y Pega', dirigido por Pepe Castillo Hermoso y Clara Martínez Malagelada, en el Certamen Granadinos, programado para el Viernes 29 de Octubre a las 20:30 en el Palacio de Condes.

Os iremos informando sobre el Festival a medida que vayamos asistiendo a las sesiones, os animamos a venir a ver 'Corta y Pega' en la gran pantalla, ¡ya hemos llegado muy lejos!

El Indomable Will Hunting

2010-09-16T13:38:00.000-07:00

Will es un joven rebelde con una inteligencia asombrosa, especialmente con las matemáticas. El descubrimiento de su talento por parte de los académicos le obligará a elegir entre seguir con su vida de siempre -un trabajo fácil, buenos amigos, muchas cervezas y alguna bronca- o aprovechar sus grandes cualidades intelectuales en alguna universidad. Sólo los consejos de un solitario y bohemio profesor le ayudará a decidirse. (Filmaffinity)

Os dejamos una escena del Indomable Will Hunting (Gus Van Sant, 1997). De las pocas veces que podemos decir con orgullo que fue premiada con el Oscar al Mejor Guión Original, entre otros. Magnífico monólogo de Robbin Williams en su papel de psicólogo-profesor del rebelde Matt Damon. La experiencia frente a la palabra; la vivencia frente a la teoría; Efectivamente hay algo que va más allá de la palabra escrita, más allá de lo que aprendemos a través de un otro; y es que nuestro experimentar, nuestro vivir, nuestro estar en el mundo no se puede construir, sino habitar ...

ORIGEN, de Christopher Nolan

2010-09-02T08:21:00.000-07:00

Jugar a ser Dios

Hablar de Inception, la nueva película de Christopher Nolan no es tarea fácil, pues tras acabar el visionado ya empiezan a acribillarte reminiscencias en forma de bucle que no dejan de poblar tu mente. Hablar de Inception es hablar de una obra de una creatividad abrumadora, es hablar de sugerencia, de espectáculo, de renovación y de personalidad.

Una propuesta diferente en el cine de ciencia-ficción americano en la actualidad, una corriente de la que el propio autor ya se quiso separar al no "contemplar" ni la posibilidad de plasmarla en formato 3D. Una conjunción onírica del mundo real y el mundo soñado (que por otra parte, sigue siendo igual de real) que engloba toda la temática de obras anteriores del director.

A propósito del film decía Nolan que un sueño lúcido se produce cuando uno se da cuenta de que está soñando y, entonces, puede tratar de cambiar lo que sucede o manipularlo de alguna forma. Sin duda, nos encontramos ante un film tremendamente lúcido en todos sus sentidos, no sólo por la notable integración que tienen sus elementos narrativos como parte de una coreografía visual magníficamente acompañada por la banda sonora, sino también por la estructura a la que tan bien acostumbrados nos tiene el británico, consiguiendo comprometernos en un metraje aproximado de dos horas y media gracias a un montaje altamente personalizado, que como ya ocurriese en Memento (2000); nos sumerge a través de una narración basada en el tránsito entre sueños la sensación profunda de estar en vigilia permanente.

Una obra que confirma la buena salud que le otorga el director a la escena americana, que unido a jóvenes cineastas como Paul Thomas Anderson, Bryan Singer, Jason Reitman,... proporcionan confianza en el relevo generacional a directores ya consagrados, a través de la creación de nuevos formatos visuales y narrativos.

Con un fuerte trasfondo en el que se niega a dogmatizar, Nolan nos hace caer de nuevo en el arte del engaño y del hipnotismo que hace que sintamos estar viviendo realmente un sueño trepidante pero a la vez muy sugestivo.

Al terminar de ver la película recordé un episodio que se dio a mediados de los 60 en un congreso matemático en el que se enfrentaron dos grandes genios; en él Heisenberg expuso su famoso postulado del Principio de la Incertidumbre en el que reflejaba la imposibilidad de predecir cualquier comportamiento de las partículas en el futuro debido a la variabilidad de los acontecimientos que pudieran determinarlos. Einstein, muy descontento por esta aparente aleatoriedad en la naturaleza, resumió su opinión en su famosa frase ' ¡Dios no juega a los dados !'. Parecía que había presentido que la incertidumbre era sólo provisional, y que existía una realidad subyacente, onírica incluso, en la que las partículas tendrían posiciones y velocidades bien definidas; en respuesta a la tajante contraréplica, el mentor de Heisenberg respondió: '¡ No le diga a Dios lo que tiene que hacer ! '

Aquel congreso no acabó de la mejor forma, pues empezaron a separarse aún más los postulados de la Física Moderna hasta que finalmente acabó aceptándose la Teoría de la Relatividad (quien se lo iba a decir al propio Einstein)...

De alguna forma, aunque Dios hubiese podido llegar a opinar algo en aquella conferencia, las conclusiones hubiesen seguido enfrentándose y siendo diversas; al final como en el film de Nolan sólo quedará el Tótem que cada uno se dignará a parar o a preservar...pues sólo los genios dejan en manos de sus valedores la posibilidad de decidir sobre su destino...aunque bien pudiera uno jugar a ser Dios...

Peter

Julio y Agosto de Cine

2010-08-21T08:44:00.000-07:00

Os dejamos con algunas de las recomendaciones cinematográficas de este verano:

GAINSBOURG, de Joann Sfar. Seguramente una de las mejores películas que hemos visto este año. Valiente y creativo, el director Joann Sfar debuta en la gran pantalla con su particular acercamiento a la vida de Serge Gainsbourg, icono francés de los años sesenta.

Una apuesta arriesgada por su imagineria visual, tan sugerente como provocativa, tan fantástica como surrealista. Una película de corte felliniana que invita a conocer a Gainsbourg desde la ilusión y el sueño, desde su propia mente... y así aparecen en pantalla personajes oníricos, acartronados, que acompañan al personaje en sus andanzas.

Gainsbourg se convierte así en una curiosa obra dentro de nuestras carteleras, de una creatividad ausente en el cine actual. Lirismo visual. Aunque os resulte indiferente la vida de Serge Gainsgourg, merece la pena.

TOY STORY 3, de Lee Unkrich. ¿Será el efecto 3D lo que nos ha llevado a decepcionarnos con la última de Pixar? Entre tanta gafa y efectos visuales, ir al cine se está convirtiendo en un evento tan lucrativo y 'animado' ... lejos de un evento cultural y mágico... la sala de cine se convierte en el nuevo salón recreativo...

Toy Story 3 tiene escenas que alcanzan aquella sensación maravillosa de las primeras dos partes. No sólo buscamos una carcajada; queremos seguir sonriendo con unos muñecos que enseñan algo más que jugar. Puede que abran las puertas a un mundo infantil para adultos, o quizás a un mundo adulto para niños... esa seguramente es la magia que transmitían Toy Story y Toy Story 2 y que echamos de menos en esta última entrega, más previsible y forzada, más 'de lo mismo' sin esa ilusión de las primeras partes.

Nuestros muñecos favoritos no obstante vuelven a la pantalla para ofrecernos mucha aventura en ausencia de Andy; sin embargo, su ausencia seguramente nos ha llevado a ver en Toy Story 3 una tercera parte innecesaria, demasiado centrada en la odisea de los juguetes. Así podrían surgir infinitos Toy Story's...

LONDON RIVER, de Rachid Bouchareb. Interesante propuesta que termina por saber a muy poco. Lo que parece ser una recreación íntima de los atentados terroristas de Londres el 7 de julio de 2005, acaba siendo una forzada historia moralista sobre la solidaridad y el racismo.

El encuentro entre un africano musulmán y una mujer inglesa tradicional, unidos por la desaparición de sus respectivos hijos, lleva al director a construir una película fría, lenta y previsible. Eso sí, impecable en su intención.
Lo mejor: la soberbia interpretación de ambos personajes, quienes salvan la película para arrancarte del aburrimiento.

EL SILENCIO DE LORNA, de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne. La nueva película de los hermanos Dardenne, siempre esperada por Encuentros de Cine, nos tiene un tanto descolocados. Sin dejar de lado su estilo sobrio, frío y escalofriantemente lento, El Silencio de Lorna se presenta como una película un tanto rocambolesca, de desenlace desafortunado.

No obstante, la impecable actuación de los protagonistas, los sorprendentes giros de guión, la angustiosa frialdad de la historia... la impasibilidad de los personajes, tan cercanos como indiferentemente crueles, hacen de El Silencio de Lorna una película muy recomendable para aquellos dispuestos a soportar lentos y largos silencios.

Premios 48 Hour Film Project Granada 2010

2010-07-31T07:21:00.000-07:00

Como habíamos anunciado, Encuentros de Cine participó recientemente, por primera vez, en un festival de cine: The 48 Hour Film Project, fetival internacional de cortometrajes. 48 horas en las que rodar un corto ...

La peculiaridad del festival, no solamente el tiempo, sino también unas reglas muy especiales: género determinado, personaje, ojeto y línea de diálogo. A nuestro equipo, formado por Clara Martínez Malagelada y Pepe Castillo Hermoso (¡había equipos de hasta 22 personas!), le tocó HORROR como género cinematográfico. Además:

Character: Pepa/Pepe, Peluquera/o Hair Dresser

Prop: un ventilador a fan

Line of Dialogue: "¿Sabes que?...me he fijado que eres un debutante."

You know what? I realized you are a beginner.

Y esto fue lo que salió ... CORTA Y PEGA ... un corto - videoartístico muy particular ...

El 24 de Julio de 2010 el jurado del Festival de Cine 48 horas, realizado en Granada por primera vez, hizo entrega de los premios. Estos eran los participantes:

Dreamhorses pictures, Rafa Alba Padilla

LaEscuelaDeGranada, Jesus Navarro Sanchez

lansa produccion, jesus muñoz garcia-ligero

Los Duelistas, Clara Martínez

Pacific South, Paz Sabater

Producciones Miau, Amaya Cía

THE DHARMA, Mar Delgado García

The Owench, Alejandro Rodríguez

Toma Cero, Marie Quilly

Zebra, Lucía Martínez Cabrera

Dice así:

¡El jurado ha decidido!

Nuestro jurado ha tomado su decisión. Felicitaciones a todos los cineastas y los equipos que participaron. ¡Estamos orgullosos de anunciar lo ganadores de Granada!

Mejor uso del personaje

"Corta y Pega" by Los Duelistas

Mejor uso del objecto

"Granagedon" by The Dharma

Mejor uso de la línea de diálogo

"Granagedon" by The Dharma

Mejor uso del género

"La Debutante" by The Owench

Mejor sonido

"Cristiano" by Zebra

Mejor fotografía

"Granagedon" by The Dharma

Mejor editing

"Granagedon" by The Dharma

Mejor actuación

"Corta y Pega" by Los Duelistas

Mejor guión

"Corta y Pega" by Los Duelistas

Mejor dirección

"Granagedon" by The Dharma

Segunda mejor película

"Corta y Pega" by Los Duelistas

Mejor película

"Granagedon" by The Dharma

Mejor película del publico del Granada 48HFP

El público ha hablado! El siguiente equipo ganó el premio del público. ¡Felicitaciones!

Mejor película del publico

"El Debutante" by Lansa Producciones

THE 48 HOUR FILM PROJECT’S 2010 TOUR MUNDIAL

2010-07-16T04:53:00.000-07:00

GRANADA 16-18 JULIO 2010

Llega a Granada The 48 Hour Film Project del 16 al 18 de Julio de 2010, la mayor competición de Cine a contrarreloj del mundo, se ha anunciado la incorporación de Granada (por primera vez en España) a la gira de 2010 del Festival que hará su parada a mediados de Julio en la provincia andaluza, desafiando a todos los realizadores participantes a completar el proceso de filmación – partiendo del guión hasta el rodaje y la posterior edición - en apenas 48 horas.

Granada pasa a ser una de las 80 ciudades en todo el mundo que se incluyen en la gira del The 48 Hour Film Project 2010, que incluirá por primera vez la participación de ciudades tan dispares comos como Pekín, Lisboa, Bombay y la capital nazarí.

Los realizadores que se inscriban se unirán a la larga lista de 2.500 equipos de cine en todo el mundo que se han incorporado al Festival, lo que hace un total de 35.000 personas, todo un record de participación en este Certamen itinerante que se basa en valores de inspiración, creatividad y porciones de adrenalina con litros de café para completar en dos días los cortometrajes con una máxima duración siete minutos.

A los equipos participantes se les asignará mediante sorteo un género, un personaje y una línea de diálogo sobre los que ellos deberán trabajar en su proyecto. Además, serán responsables de reunir el reparto y el equipo pertinente para hacer la película. Las películas enviadas con retraso, aunque sea de un minuto, serán descalificadas.

Las películas se presentarán al público en el Teatro Isidoro Marquez de la Fundación Caja Granada los días 21 y 22 de Julio de 2010, donde el jurado seleccionará la mejor película. Los ganadores entrarán en la carrera para conseguir los máximos honores a nivel Internacional, en el evento anual del The 48 Hour Film Project 2010 con los premios a los mejores largometrajes del año; que tendrá lugar en la National Association of Broadcasters (NAB) en 2010. Las películas también compiten por ser una de las 14 películas que se proyectarán en la Sección de Cortometrajes del Festival de Cine Cannes de 2010.

Este es el primer año que se celebra The 48 Hour Film Project 2010 en Granada. Por ello, la inauguración será especial, y los equipos deberán incluir en sus películas alguna referencia notoria a la Ciudad.

"Aunque la brevedad de los plazos puede parecer un obstáculo, en realidad, se pone énfasis en la creatividad, en el trabajo en equipo y en la toma de decisiones de los realizadores sobre su proyecto. The 48 Hour Film Project 2010 expone que "lo más importante es romper cualquier tipo de barrera, permitiendo que cualquier persona en un fin de semana con una cámara de vídeo y una ilimitada energía creativa pueda experimentar la diversión, alegría y satisfacción de producir una película."

Desde su lanzamiento en 2001 en Washington DC, por los cineastas Mark Langston Ruppert y Liz, el proyecto se ha convertido en un fenómeno cultural global, con un total de más de 130.000 participantes que han producido cerca de 9.000 cortometrajes, qu se pueden encontrar en la filmoteca del festival: www.48.tv .

"El hecho de que continuemos con la expansión a nuevas ciudades cada año confirma que el proyecto realmente ha tocado la fibra sensible de los cineastas y espectadores de todo el mundo", expresó Langston, co-director ejecutivo de The 48 Hour Film Project. "Estamos encantados de volver a algunas de nuestras antiguas ciudades, así como la introducción en esta gira de nuevas ciudades en 2010, como la incorporación de nuevos países como España."

Into the wild (Hacia rutas salvajes), de Sean Penn

2010-06-11T09:08:00.001-07:00

"Atrévete a sentir"

American Beauty, de Sam Mendes

2010-05-13T03:17:00.000-07:00

"¡Es sólo un sofá!" Os dejamos con una escena de la maravillosa American Beauty de Sam Mendes. Irónicamente desgarradora, refleja la imagen del hombre moderno, devorado por las comodidades materiales que invaden nuestras sociedades industriales. De forma magistral el director logra crear un diálogo entre la pantalla y el espectador, en el que nos sentimos partícipes de lo que vemos, identificados... Introducidos en un mundo caóticamente vacío, en el que el individuo organiza su existencia de cara a la galería, ignorando que por dentro está muerto...

Habitación en Roma, de Julio Medem

2010-05-10T14:07:00.000-07:00

Caótica Ana parece haber trazado un camino en el cine de Medem un tanto difuso… difuso y tan desnudo de ideas como su reciente trabajo: Habitación en Roma. Días después de haberla visto, aún no entiendo a qué viene tanto mostrar. Vaya, que no parece algo muy nuevo eso de poetizar el sexo… y aunque intachable fotografía y dirección, la imaginería no logra trascender la pantalla en forma de contenido.

Un exceso de lenguaje metafórico (a veces, incomprensiblemente tópico y típico) que tan bello resulta al comenzar y tan pesado al terminar. Así sucede con el plano secuencia inicial, tan homenajeado después de Sed de mal…

Habitación en Roma no deja de ser una apuesta valiente: el encuentro entre dos mujeres en un hotel de Roma, doce horas a lo largo de las cuales nacerá entre ellas una pasión tan intensa como fugaz… ¿Seguir adelante con una vida cómoda y resuelta, o romper con todo y huir por ‘amor’? ¿Enfrentarte a tu propia homosexualidad, o fingir que nada ocurrió…? Puede que estas preguntas estén ya demasiado ‘preguntadas’… pues no sólo no sorprende la historia a medida que avanza, sino que tampoco el director termina de exprimir a sus personajes. ¡Cuánto dan de sí doce horas en una habitación! Como para tener que aguantar diálogos absolutamente banales… en consecuencia, al recurso fácil: mostrar el cuerpo desnudo, la unión de dos cuerpos, roces, sexo. Bellamente filmado sí, pero, ¿no resultaba mucho más intenso el erotismo de aquellos cuerpos vestidos de Wong Kar-Wai en In the mood for love?

Con Habitación en Roma el director español se duerme en la propia intención, y ahí queda la película, en una mera intención de un caótico Medem.

Nos adentramos en ... El Experimento, de Oliver Hirshbiegel

2010-05-03T10:24:00.000-07:00

EL EXPERIMENTO. ¿En qué consiste? Un grupo de científicos quieren estudiar el comportamiento de un conjunto de hombres dispuestos a permanecer quince días encerrados en una prisión. Con el fin de alcanzar los efectos deseados, y según el perfil estudiado, unos deberán ser guardias, otros presos.

El filme presenta una estructura que permite presenciar dos realidades paralelas: el mundo exterior y el mundo interior: la cárcel. Así se combinan imágenes de ambos tiempos, intercalando a la vez escenas del pasado: los recuerdos vividos por el protagonista junto a su amada y las entrevistas realizadas a los participantes en el momento de su llegada. ¿Con qué finalidad? Se juega con estos contrastes para realzar el cambio que padecen los personajes. Por un lado, analizamos sus transformaciones, y así nos sentimos identificados con sus actitudes. El espectador tiene, por lo tanto, un punto de referencia. Por otro lado, mediante estos recuerdos el protagonista pretende escapar del presente, huye a través de la mente a un mundo perdido, de cariño, lleno de amor, libertad, bondad y afecto, alcanzando una cierta redención, que contrasta con la violencia ejercida en la cárcel.

Mediante este juego de tiempos y espacios, se construye unos personajes que parecen no mostrar una clara identidad. Se presentan al experimento con la esperanza de recaudar dinero, por curiosidad o por intereses profesionales. Pero esta situación no tarda en cambiar. Si en un principio los presos presentan una actitud infantil, bromista, alejada de toda seriedad, empujada por una ingenua rebeldía y provocación, pronto surgen cambios en dicho comportamiento. Y es que también los guardias deben acostumbrarse a su nuevo rol, y éstos se acercan poco a poco al papel que deben interpretar. Surgen entonces los primeros enfrentamientos y su autoridad es cada vez mayor, lo que provoca una radicalización en la actitud de los presos. El filme mantiene una tensión ‘in crescendo’, que despierta en el espectador cierta compasión hacia los presos y odio hacia los guardias.

Observamos que poco a poco la violencia es empleada para reprimir la desobediencia. Los guardias desean destruir las defensas de los reclusos, y nace así un juego de violencia injustificada que activa los instintos más primarios de los personajes. La relación entre ellos se convierte en una lucha por el territorio, y muestran su lado más primitivo.

Captamos en estos cinco días los sentimientos de los personajes, sus trastornos mentales, depresiones, pánicos y llantos; sin embargo, al combinar tales actitudes con alguna que otra carcajada, el espectador identifica a verdaderos seres humanos, llenos de vicios y virtudes.

Por otra parte, los científicos que controlan el experimento también padecen cambios que reflejan la situación vivida en la cárcel. Su afán de experimentación y reputación les lleva a trascender los límites entre el “juego” y la realidad. La doctora muestra una actitud más precavida, pero el doctor no distingue tales límites, y logra convencerla para seguir adelante con la investigación. Como los guardias, ellos también están coaccionando la libertad de sus ‘criaturas’. El desenlace del filme demostrará que la violencia (en un principio relacionada con los participantes) se extiende a los propios controladores del experimento. Los observadores, pues, se convierten en víctimas de su propio producto, y dejan de lado toda responsabilidad moral.

Solamente al final, cuando la ficción entra en contacto con la realidad (con la chica como punto de enlace) los personajes comprenden la repercusión de sus actos, y entendemos que ambas realidades no son compatibles. Surge ahora el arrepentimiento y la culpa, enfatizados mediante un travelling hacía atrás en el cual los personajes, ahora todos iguales, están indefensos.

El director logra recrear a través de efectos técnicos una atmósfera capaz de distanciar estos mundos. Un constante juego de luces y colores contraponen las diversas realidades, contextualizando así las acciones de los personajes. Combinando tonos cálidos y ‘reales’ con otros verdosos artificiales, así como el blanco y negro en las imágenes vistas a través de las gafas del protagonista. Asimismo, la música y los sonidos logran recrear los espacios y transmitir sensaciones. Distorsiones de sonidos, ruidos de objetos metálicos, notas graves en piano describen atmósferas tétricas, angustiosas, claustrofóbicas, opresivas y malvadas. Todo ello es añadido a la propia filmación de espacios y personajes, pues la cámara juega con los lugares abiertos y los cerrados, así como con la agitación de la cámara o los zooms que remarcan la expresión facial de los personajes.

Nos adentramos en ... Senderos de Gloria, de Stanley Kubrick

2010-04-14T05:15:00.000-07:00

El tercer filme de Kubrick, Paths of Glory (Senderos de gloria, 1957), está basado en una novela de Humphrey Cobb, escrita a partir de sus experiencias en la 1era Guerra Mundial. Allí escuchó las historias de fusilamientos que tenían lugar en las tropas francesas llevados a cabo por sus propios compatriotas.

La película de Kubrick remite al año 1916, en plena guerra. Las tropas francesas viven el horror de la batalla bajo las trincheras. En este contexto militar, el filme introduce primeramente lo que será el objetivo de los altos cargos del ejército, la ocupación de El Hormiguero, sector que ocupan las tropas alemanas y que desde el primer momento se presenta como un ataque imposible. El Teniente General Broulard y el General Mireau discuten la maniobra hasta que llegan al acuerdo de atacar; a continuación, se lo comunican al Coronel Dax, quien deberá llevar a cabo la orden al mando de su Regimiento.

Sin embargo, el ataque fracasa ante la imposibilidad de avanzar por las dificultades de la operación: el fuego, las bombas y las balas hacen que los soldados retrocedan, incluso que no puedan salir de sus propias trincheras. Ante esta situación, el General Mireau impone un castigo al ejército, cuyo fracaso tilda de imperdonable y considera fruto de su propia cobardía. Un soldado de cada compañía deberá ser fusilado porque como el propio General Mireau sustenta, “es necesario dar algún ejemplo que sirva de lección”.

El filme de Kubrick podría catalogarse de “filme bélico”, pero en parte sería un error, ya que el director no trata de visionar los aspectos más comunes de la guerra: la batalla, la victoria, la lucha, la muerte; ni siquiera aparece el bando enemigo en ningún momento de la película, o los efectos de la violencia, capaces de impresionar al espectador directamente. A partir del suceso de la falsa culpabilidad de estos tres soldados nos muestra las consecuencias que conlleva. El director coloca al hombre en una situación límite y extrae sus reacciones, su comportamiento, y hasta dónde puede llegar para lograr sus objetivos. Casi en su totalidad, la película muestra las situaciones en las que se debate el conflicto, y solamente aparece una escena que describe el campo de batalla, cuya presencia es fundamental para entender la insensatez de la misión.

A lo largo de la película apreciamos cómo Kubrick contrasta los dos mundos que forman el ejército: soldados y altos cargos militares. El director lo lleva a cabo mediante la recreación de espacios opuestos. La vida en las oscuras trincheras refleja el horror y las condiciones míseras por las que se mueve el batallón, mientras que la luz de los palacios muestra la sofisticación y la irrealidad en la que viven rodeados los generales.

El director utiliza el valor de los espacios para trasladarlo a sus personajes, es decir, los hombres que viven rodeados de lujo y confort son aquellos que imponen autoridad, poder y soberbia ante el soldado, aquel que vive envuelto en suciedad, miseria y dolor, y que será manipulado y dominado por el anterior. No es solamente una cuestión de apariencia, sino que los espacios adquieren un papel simbólico, y las acciones se verán determinadas por ellos. Ambos mundos están atados a sus respectivos entornos, por lo que veremos cómo los generales disfrutan del arte, de los bailes y de las maneras exquisitas. También le sirven al director para contraponer las ideas que quedan enmarcadas bajo los decorados que representan su forma de vivir, actuar y pensar.

En el filme encontramos al personaje del Coronel Dax, interpretado por Kirk Douglas, representando a uno de los héroes más típicos de Kubrick, aquel que finalmente fracasa, vencido por la futilidad del destino, y que debe aceptar sus propias responsabilidades. El Coronel Dax aparece como un personaje que lucha por sus hombres, que se opone a la crueldad y a la maldad de sus superiores, y es quien tratará de imponerse a ellos, cuestionando su forma de actuar. Simboliza el humanismo, el idealismo que conduce al hombre a luchar por la justicia e igualdad. Como Kubrick propone, en la guerra “todavía quedan hombres que defienden aquello que consideran sus principios” . Desde la primera escena, cuando se le presenta la opción de llevar a cabo la orden, Dax muestra su oposición y él mismo sustenta la idea de que “no hay que agitar una bandera para que actúe”, señalando que “el patriotismo es el último refugio de los canallas”. Por el contrario, el General Mireau cree que “un patriota es un hombre honesto”. A pesar de esta primera manifestación de rebeldía por parte del Coronel, también él termina por rectificar su comportamiento y aceptar el cargo cuando le insinúan una posible destitución.

En su totalidad, el filme arremete contra el sistema bélico. ¿Por qué es una película antimilitarista? Porque los conceptos implícitos a la guerra, tales como el honor, la gloria, el triunfo o el patriotismo son algunos de los ideales que conducen al hombre hacia la autodestrucción. La película, por lo tanto, cuestiona una serie de valores que tradicionalmente se han utilizado para defender y justificar la guerra. Se conmemora al individuo, aunque haya sido brutalmente violento, mientras favorezca a su país, eliminando al enemigo. Y es que “por su propio bien no se le permite al hombre ni la más mínima desobediencia a las leyes morales – por la comunidad, por el pueblo, por la patria, le está permitido hacer todo, incluso lo más prohibido, incluso lo más terrible, y cualquier impulso penado en otros casos conviértese aquí en deber y heroísmo” .

También llegamos a la conclusión de que los seres humanos nunca son libres a la hora de elegir su destino o de expresar sus ideas, porque siempre existen fuerzas más poderosas en la sociedad que destruyen las aspiraciones individuales.

Esto nos hace pensar que la película puede ser vista como una lectura marxista, un enfrentamiento entre oficiales y soldados en el que estos últimos no tienen ninguna posibilidad de cambiar. Hay una clara diferencia entre el poderoso y el débil, aquél que se ve forzado a luchar, huyendo de la miseria, impulsado por el heroísmo, pero siendo engañado, puesto que los objetivos por los que lucha son ajenos a él y forman parte de los intereses personales de las autoridades.

Repetimos, “quien tiene el poder mueve con sus hilos a quien está debajo” . Esa es la realidad que apreciamos a partir de la lectura bélica del filme y que no es solamente válida en este campo, sino que como hemos apuntado anteriormente forma parte de la historia del hombre.

Por consiguiente, cada una las decisiones tomadas por los generales conllevan una actitud hipócrita y sarcástica, pues según ellos, se llevan a cabo “por el propio bien de los hombres”. Sus intenciones pretenden hacer el bien, pero deberíamos preguntarnos, ¿qué es para ellos el bien? Puesto que al final de la película el Coronel Dax cuestiona las decisiones del General Broulard, éste acaba por preguntar: “¿qué he hecho yo mal?” Ante esta pregunta pensamos que para lograr el beneficio personal a costa de los demás, no hay lugar para el bien.

Espartaco, de Stanley Kubrick

2010-04-05T02:55:00.000-07:00

Semana Santa ... es igual a Ben Hur ... Los Diez Mandamientos ... Moisés ... La Túnica Sagrada ... Gladiator ... La Pasión de Cristo ... y, entre otras muchas, Spartacus (Espartaco), de Stanley Kubrick. Nunca es tarde para descubrir o redescubrir este clásico, todavía aclamado y atacado por público y críticos. A pesar de lo que se diga, Espartaco brinda escenas que ya han quedado grabadas en nuestras retinas, y que seguiran formando parte de la historia del cine. '¡Yo soy Espartaco...!' ¿Quién no recuerda este gran momento...?

Tensión sexual no resuelta, de Miguel Ángel Lamata

2010-03-21T08:38:00.000-07:00

Tensión sexual no resuelta, o sobre cómo hacer mal cine. No, no, mejor, sobre cómo denigrar el cine. Demasiado light. Tensión sexual no resuelta, o sobre cómo hacer del cine una aberración comercial; ¿comercial? Quisiera pensar que las salas dejarán de proyectar tal desfachatez en favor de nuestra salud mental. Ya está: Tensión sexual no resuelta, o cómo salvar al cine de la barbarie.

¿Qué elementos no deberían estar NUNCA en una película? Esto es lo que Tensión sexual nos ha enseñado:

- un guión previsible, absurdo y vergonzosamente ridículo

- actores que parecen haber salido de un anuncio de perfumes

- una historia pésima de telenovela de serie B

- personajes superficiales, vacíos y patéticos

- un narrador sin gracia que interpela con el espectador creyendo que es Alex de La Naranja Mecánica

- una puesta en escena ‘cutre’, barata y vulgar

- un montaje que recurre a los movimientos de cámara como pura forma. ¡Dejad la cámara quieta!

- diálogos de mal gusto, sexistas, de vergüenza ajena (y propia)

- ETC… (¿Fede, cómo pasas de ‘Tesis’ a esto?)

Tensión sexual no resuelta, una ‘comedia’ española que, de nuevo, mancha nuestro cine. ¡Y es que no me extraña que luego se critique el cine español! ¿Pero cómo se ha podido llegar a invertir en una cosa así?

Pero esto no es todo. Después de pagar seis euros por este capricho infantil de no quisiera recordar quien, tenemos que aguantar a críticos prestigiosos de periódicos nacionales decir que no es tan mala como parece… Como hubiera dicho el gran Rubianes, ¡qué vayan a cagar a la playa!

El lado oscuro del corazón, de Eliseo Subiela

2010-03-16T08:54:00.000-07:00

Recuperamos la escena inicial de El lado ocuro del corazón, una curiosa película argentina de 1992, que narra la historia de un poeta treintañero que vive de su poesía mientras trata de encontrar a la mujer que le haga 'volar'...
Un filme poético y de corte surrealista que merece la pena recuperar, aunque sólo sea por escuchar la poesía de Oliverio Girondo, Mario Benedetti o Juan Gelman.

La Chaqueta Metálica, de Stanley Kubrick

2010-03-08T10:59:00.000-08:00

Os dejamos una escena inolvidable de la ya mítica La Chaqueta Metálica, de Stanley Kubrick. El hombre transformado en máquina de matar ... Esperamos que os guste ...

Tiana y el sapo, de John Musker y Ron Clements

2010-02-25T10:22:00.000-08:00

Os dejamos con las impresiones de Carme, colaboradora de Encuentros de Cine. ¡Esperamos que os guste!

When Disney met Pixar

Ya se ha estrenado la más reciente producción clásica de Disney, Tiana y el sapo. ¿Y qué esperáis que os digamos? Pues os decimos que Chapeau!

La película es divertidísima. Así, con superlativo: d i v e r t i d í s i m a. Tiene algunos gags visuales muy brillantes y el tono general es feliz, luminoso, brillante. Por supuesto que hay un malo y hay amiguitos que se quedan por el camino (Disney educa, recordadlo), pero es un malo menos oscuro y menos perverso y la despedida es un camino hacia la libertad y el amor.

La animación, aunque no sabemos mucho del tema, nos ha parecido excepcional, pero qué menos se puede esperar. Lo remarcable es la vitalidad del guión, de la aventura, de los personajes. La sangre nueva de Pixar -John Lasseter, por ejemplo, está en la producción ejecutiva y Randy Newman en la banda sonora- ha revitalizado de tal manera al monstruo Disney que parece que la película, ambientada en Nueva Orleans, no sea más que una excusa para hablar del vudú y los beneficios experimentados en sí mismos.

Es broma, claro... Tiana y el sapo es una típica y tópica historia de hadas, de amor, de chico conoce chica (sapo conoce chica), chico pierde chica (sapo convierte a chica en sapa), chico y chica se pierden juntos (sapo y sapa de excursión por el pantano: paraiso del jazz y el vudú) etc, etc, pero puesta al día: la chica es la primera princesa afroamericana Disney (antes estuvieron Mulan y Pocahontas, asiática y nativa americana respectivamente) y, además, es independiente y no necesita para nada a un príncipe -o sapo- a su vera. El príncipe-sapo, a su vez, no es el habitual hombre guapo, valiente y perfecto sino que es un caradura arribista que sólo piensa en el jazz y en las mujeres y que se va a casar por interés para poder seguir con su eterna adolescencia. Por romper tópicos, hasta la rubia tonta deja de ser tonta...

Por supuesto las cosas irán cambiando a medida que avance la película y, por una vez vamos a destripar una película, sapo y sapa acaban juntos y felices. ¿Hay cine más previsible respecto a los finales felices que el de Disney?

Shutter Island, de Martin Scorsese

2010-02-23T14:45:00.000-08:00

Y tú, “¿vivirías como un monstruo o morirías como un hombre bueno…?” Desde luego en Shutter Island Scorsese traza una línea muy estrecha entre la razón y la locura. ¿Dónde empieza una y termina la otra? Hay tantas respuestas como espectadores pues, si algo pretende la nueva película del director de Taxi Driver es sugerir, inquietar, mezclar el mundo onírico con el mundo real; no lejos de un estilo lynchiano…

Dos agentes se embarcan en el ferry que les llevará a Shutter Island para investigar el caso de un paciente que se ha fugado de su celda. A medida que avanzan en su trabajo las cosas empiezan a torcerse; nadie parece ser quien es. Un thriller con ingredientes terroríficos que no nos dejará indiferentes a pesar de su ritmo lento y pausado. Un thriller en el que la tensión y el miedo no son fruto de violencia gratuita al más puro estilo americano. Nada de eso. La palabra jugará un papel fundamental en el que a través de ella el espectador irá introduciéndose en una red de juegos imaginativos y realidades confusas. El miedo en la palabra... fundida en el silencio visual ...

Precisamente Scorsese luce en Shutter Island toda su imaginería visual, logrando una gran producción estética que recuerda al más puro estilo de cine negro. La fuerza de la imagen refuerza efectivamente una gran narración de la que surgen reflexiones interesantes sobre nuestra concepción de la locura. ¿Qué entendemos por ‘normal’? ¿Y por ‘loco’? ¿De qué modo se integra la locura en la razón humana? ¿O debemos encerrarla en una celda? Cuestiones cuyas respuestas no están tan claras como parece (o simplemente no hay respuestas…), pero que la sociedad engulle en sus miedos. Precisamente Scorsese muestra cómo la ciencia, la política, el poder, al fin y al cabo, utilizan esa misma locura y la convierten en lo que ellos quieren que sea.

Shutter Island es una película difícil de digerir; de mucho diálogo pero de poca claridad. Scorsese ha construido un filme al borde del surrealismo, del cual la sugestión y la provocación imaginativa son protagonistas. No esperéis encontrar respuestas, la reflexión está servida.

A single man (Un hombre soltero), de Tom Ford

2010-02-19T16:08:00.000-08:00

Hacía tiempo que no veíamos una película similar… A single man (¿Un hombre ‘soltero’? ¿’Solo’? ‘¿Singular’?...) nos ha sorprendido muy gratamente. Y nos ha sorprendido al lograr que sus imágenes, cada secuencia, cada plano… cobren una maravillosa fuerza estética, sugestiva, poética que tanto añoramos en el cine actual.

Brillante puesta en escena, brillante fotografía, brillante narración… A single man es sin duda la exaltación de los sentidos, la exaltación del gesto, del cuerpo… No por casualidad a lo largo del filme predominan los primeros planos, el acercamiento de la cámara a los cuerpos: la rojez de unos labios, el azulado de unos ojos, la negror de una mirada, el contorno de una piel… los colores, ahora tan claros ahora tan oscuros, reflejan la interioridad de un hombre desgastado, George Falconer (espléndido Colin Firth), que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su gran amor, Jim.

La historia abarca un solo día; no necesitamos más horas para adentrarnos en el mundo interior del personaje, pues la película, ya en sus detalles, ya en su totalidad, se convierte en una gran metáfora sobre el modo en el que George Falconer siente, piensa y observa el mundo. La cámara se detiene, ralentiza el exterior… mira al pasado en sucesivos flashbacks, o simplemente se paraliza y la música (uno de los grandes protagonistas) invade la gran pantalla. Explosión sensorial…

Personajes sumergidos en la cotidianidad que tratan de redimirse de su pasado, en un presente vacío que aguarda un futuro incierto. Personajes que no necesitan de las palabras porque una simple mirada guarda un gran diálogo. Personajes que tratan de superar el sufrimiento con dolor…

A single man combina genialmente la palabra y la imagen para producir verdaderas pinturas de reflexión; cuadros en movimiento tan sugerentes en su silencio.

No os la perdáis ...

Invictus, de Clint Eastwood

2010-02-09T12:19:00.000-08:00

Os recomendamos que vayáis a ver la nueva película del siempre interesante Clint Eastwood: Invictus. Protagonizada por Morgan Freeman y Matt Damon, narra los momentos en los que Nelson Mandela, tras salir de prisión tras 27 años, es elegido democráticamente presidente de Sudáfrica, y recurre, entre otras cosas, al rugby, para unir a todo un país...

El Mundial de rugby de Sudáfrica en 1995 es sólo una excusa, el hilo conductor que usó el político africano para reunir voluntades y superar rencores muy sedimentados en la agitada historia de su país.

Apenas un año después de ser elegido presidente, Nelson Mandela logró reciclar la percepción que la población negra sudafricana tenía del rugby, deporte que simbolizaba el poder blanco, para lograr algo nunca visto en Sudáfrica: que todos, blancos y negros, pelearan por un objetivo común.

Seguramente no es una de las grandes películas del director americano. Sin embargo, cada escena resulta estética y artísticamente impecable, con lo que se asegura el sobresaliente en dirección... Hubieramos preferido una mayor profundización de los personajes y menos escenas deportivas... pero Invictus no pierde la atracción. La reflexión humana de Nelson Mandela ... No os la perdáis.

La lengua de las mariposas, de Jose Luis Cuerda

2010-02-08T07:08:00.000-08:00

Aquí os dejamos un fragmento de La lengua de las mariposas, para no olvidarla ...

Nine, de Rob Marshall

2010-01-30T15:39:00.000-08:00

"¿Cómo se educa la imaginación…?"

Esto mismo… la imaginación, es el motor que abre los distintos mundos creativos de Guido (Daniel Day-Lewis), un famoso director italiano de cine al que le resulta imposible transmitir aquello que sueña… esto es, escribir, precisamente, su siguiente guión, ‘pre-titulado’ “Italia”. Todo lo que tiene es su imaginación, su mirada ensoñadora… que a lo largo de la película aparece como punto de contacto con diversas mujeres que han o están pasando por la vida de Guido: su madre (Sophia Loren), su amante (Penélope Cruz), su mujer (Marion Cotillard), su musa (Nicole Kidman)… interpretan distintos números musicales en los que interrelacionan con Guido. Un Guido espléndidamente interpretado por Daniel Day-Lewis. Entre el humor y el dramatismo, la angustia y el placer, la razón y el instinto…Guido deambula como un cuerpo desgastado, consumido por aquello mismo que ha creado, por aquello mismo que, en el fondo, es... La fama, la publicidad, la falta de privacidad, las mujeres, el trabajo… la realidad es incapaz de inspirarle, la razón ya no es creativa. Sin embargo, ¿cómo detener la imaginación?

La inconsciencia imaginativa es fuente de placer, de perversidad, de resentimiento, de reproche…pero incapaz de ser objetivada en palabras. La realidad vuelve a castigarle ahora igual que hizo cuando se muestra su infancia teñida de blanco y negro.

Nine podía haber caído en los clichés de la anterior Chicago, pero, en cambio, logra rebasarla y aportar nuevos ingredientes al musical. La película se inmersa en la mente de un artista, reflejando así tanto lo que sus ojos ven como lo que han visto; lo que quieren ver, como de lo que huyen. ¿Cómo se educa la imaginación? Somos imaginación, y en ella libertad…

Desde aquí os queremos invitar a que vayáis a ver Nine, pues bajo la apariencia de otro musical simplón (del que se habla más de Penélope Cruz que otra cosa…) hayamos una buena historia que Rob Marshall ha sabido llevar a la pantalla con gran fuerza visual y escénica.

Terciopelo Azul, de David Lynch

2010-01-25T14:20:00.000-08:00

No os perdáis el mundo cinematográfico de David Lynch: un mundo surrealista... un mundo onírico... un mundo de apariencias... un mundo de excentricidades... un mundo de irrealidades... el mundo de los dobles... y mucho más que resta en la sugestión ... en cada película nacen mundos de sentido tan diversos que cada espectador en tiempos distintos descubrirá distintas películas ...

Aquí os dejamos una escena ya mítica de su famoso filme Terciopelo Azul. Genial Dennis Hopper... ¡Rescatadla!

Sherlock Holmes, de Guy Ritchie

2010-01-20T08:14:00.000-08:00

Ha llegado Sherlock Holmes a nuestras carteleras, y ya está prevista la segunda parte para el 2011, dependerá del tirón que tenga esta primera… si vende, a por otra; si decepciona, pensemos en otra historia.

Si fuera por nosotros, ya podrían empezar a pensar en otra cosa…

El director de la reconocida Snatch, cerdos y diamantes (2000) lleva a la pantalla la figura de uno de los grandes detectives literarios: Sherlock Holmes. De pipa en mano, puños de boxeador, gran conocimiento científico, ojos deductivos y corazón desconfiado, este detective privado alto, delgado, frío, irónico, ingenioso e intelectualmente inquieto nos transporta al Londres de finales de siglo XIX. Interpretado maravillosamente por Robert Downey Jr., junto de Jude Law, caracterizando a su fiel amigo Watson, la película narra las peripecias de Sherlock Holmes en una trama de gran peligro para todos los habitantes de Inglaterra.

La película en su conjunto resulta un tanto aburrida y redundante, y lo que había sido un atractivo comienzo va cayendo en picado mientras se nos cierran los ojos. Si logramos mantenerlos abiertos, mayormente gracias un Sherlock eclipsador, podremos extraer, en nuestra opinión, lo más interesante del filme, esto es, el juego entre la lógica científica que mueve los pasos de nuestro protagonista, y la magia negra que maquilla el mal, las acciones (asesinatos) del enemigo.

La misma puesta en escena es también un intento de destacar este juego, la lucha de verdades que justifican los acontecimientos de la realidad. Escenas en las que la imagen cristaliza mientras se nos explica cómo han ocurrido los hechos, ahora a cámara lenta, ahora a cámara rápida. Observamos desde dos puntos de vista y, por tanto, el acontecimiento se repite a modos distintos. Sin embargo, el conocimiento científico, la razón, gana el pulso a la ilusión, al poder oculto, a la magia.

Puede que tal argumento sea lo más destacado de este Sherlock Holmes en el que ni siquiera las escenas de lucha y acción resultan pequeños bálsamos de divertimento. Mejor nos reencontremos con el comic.

HOY, estreno de LA CINTA BLANCA, de MICHAEL HANEKE

2010-01-15T11:42:00.000-08:00

Hoy, 15 de enero se estrena el último gran trabajo de Michael Haneke: La cinta blanca. Encuentros de cine tuvo la ocasión de asistir a su proyección en Noviembre. Ya escribimos sobre ella entonces. Esperamos que vayáis a verla y os guste tanto como a nosotros. ¡Queremos saber vuestra opinión! A ver qué os parece ...

Podéis encontrar la crítica en la sección "Críticas"

International Philosophy, de los Monty Python

2010-01-13T07:58:00.000-08:00

Alemania VS Grecia Ahí van las alineaciones: Alemania: 1 LEIBNIZ, 2 I.KANT, 3 HEGEL, 4 SCHOPENHAUER, 5 SCHELLING, 6 BECKENBAUER, 7 JASPERS, 8 SCHLEGEL, 9 WITTGENSTEIN, 10 NIETZSCHE, 11 HEIDEGGER ... ¡No os lo perdáis!

Animales de compañía, de Nicolás Muñoz

2009-12-28T12:25:00.000-08:00

Animales de compañía… la película responde a su título.

Este es el planteamiento: una familia acomodada, padre empresario y madre artista; hija mayor casada con un famoso presentador de televisión, a punto de adoptar un niño; hija mediana que vive fuera de casa, rebelde, embarazada de un crítico de arte que años atrás apabulló la exposición de cuadros de su madre (de la chica); hijo pequeño, prototipo de antisistema. Se reúnen todos para cenar en el día del cumpleaños de Félix (el padre).

A partir de aquí, un tema no poco repetido. La felicidad aparente, el discreto encanto de la burguesía… en referencia a Buñuel… los reproches, la envidia, el fuera adentro del núcleo familliar, el rencor, la autoridad… el no-diálogo entre los miembros de una familia que se desconocen completamente. Es más, que ya se aborrecen antes de conocerser. Personajes que aparentan, que fingen, que maquillan sus pensamientos, sus palabras, para que la velada sea maravillosa y puedan así dormir tranquilos.

No resulta una mala película dados los tiempos navideños, en los que el alimento y la fecha nos invitan a estar reunidos, sí, pero sólo físicamente… quizás, aunque el filme no resulte novedoso e incluso por momentos ya no sólo previsible sino aburrido dado su desgastado humor, nos convenga de vez en cuando vernos reflejados (que no todos, pero sí muchos) en imágenes o palabras, y así hacernos recordar que escondernos de nosotros mismos y de la realidad que construimos y nos construye tal vez nos hace ser más felices en apariencia, pero lo que queda dentro de nosotros termina por salir; y entonces reventamos. No nos dejemos llenar el estómago hasta reventar, en ese proceso devendremos puros animales de compañía.

Bienvenidos a Zombieland, de Ruben Fleischer

2009-12-27T14:53:00.000-08:00

Bienvenidos a Zombieland… un lugar en el que los hombres tratan de sobrevivir (con mucho humor) a la invasión de estos extraños humanos sangrientos de andar descompensado y comportamiento un tanto violento. Bienvenidos a Zombieland… un lugar en el que uno se encuentra casi tan solo como en “Hombreland”; un lugar en el que ya no hay reglas (tan sólo las que uno se da para no caer presa de zombies, 37 para ser exactos...) y tu única misión es cazar muertos vivientes. Bienvenidos a Zombieland… un mundo en el que te puedes encontrar a Woody Harrelson haciendo de vaquero amante de la matanza de zombies, un tipo obsesionado con lograr comerse el último Twinkie (dulce americano) en la tierra; un mundo en el que incluso el más gallina puede sobrevivir, como Jesse Eisenberg, un joven que ha logrado mantenerse vivo.

Ambos personajes se toparán con dos chicas que también se hayan vivas… ahí empieza la película. ¿Qué pasará entre ellos? ¿Qué harán para mantenerse vivos?

¿Qué podéis esperar de Bienvenidos a Zombieland? Entretenimiento y mucho humor. No pidáis más. Eso sí, muy bien hecho, que no es poco en los tiempos que corren. Es una sátira llevada al extremo sobre el género del cine de zombies. Personajes esperpénticos que parecen haber sido moldeados por Tarantino; música que acentúa cada ataque, cada matanza, ya en un supermercado en busca de Twinkies, ya en un parque de atracciones, ya en tu propia casa con la primera chica que dejas entrar… Zombieland… la propia película se convierte en un puro parque fantástico, en una gran carcajada sobre cómo matar zombies y reventar cuerpos andantes sin vida. No busquéis más. No hace falta, ochenta minutos en los que no sobra ni falta nada, porque tampoco pretende nada más.

Algo pasa en Hollywood, de Barry Levinson

2009-12-23T05:11:00.000-08:00

Algo pasa en Hollywood. Es la nueva película de Barry Levinson un tanto engañosa… Y es que, por momentos, roza la ridiculez. Sin embargo, siempre manteniendo la compostura, logra hacerse valer a pesar de sus pesares…

Tanto actor de renombre (Robert de Niro, Sean Penn, Bruce Willis, John Turturro, Robin Wright Penn...) hace que el filme atraiga de primeras pero, y cabe destacar que los doblajes son lamentables, no son éstos quienes salvan la película. Tampoco la historia en sí, tantas veces contada ya… Ese Hollywood desde dentro, tan representado por la prostitución en todos sus sentidos, por el sexo, las drogas, el glamour, las llamadas, los contactos, el estrés innecesario por banalidades… Precisamente, la absurdidad del filme viene dada porque lo que nos muestra, efectivamente, es la ridiculez de los procesos de producción cinematográfica en Hollywood.

Algo pasa en Hollywood no es original en el qué, pero la película logra transmitir perfectamente aquello que se propone, y tal hecho no debemos pasarlo por alto. En el cómo hallamos la “gracia” de esta producción, el buen trabajo de realización tras la cámara y el montaje.

Algo pasa en Hollywood puede resultar absurda por momentos… Robert de Niro tratando de convencer a Bruce Willis durante todo el filme para que se afeite una grandiosa barba; un director excéntrico y drogadicto que no quiere cambiar el final de su obra en la que se ejecuta un perro a sangre fría; un productor de cine (Robert de Niro) que guarda un calcetín de hombre para descubrir con quien se acuesta su ex mujer… Quizás no haya otra manera de representar la ridiculez que creando un filme ridículo… Y aunque Algo pasa en Hollywood flaquea no obstante, en su propia ridiculez, resulta una apuesta más arriesgada de lo que aparenta, y siempre, como espectador, sabes que tras la cámara hay un buen director.

Si no queréis volver a ver las películas “navideñas” que invadirán el televisor estos días, Algo pasa en Hollywood no es una mala opción, sobretodo si la veis en versión original.

Por cierto, os recomendamos El juego de Hollywood, de Robert Altman (1991). Peliculón.

Os dejamos el trailer en español (no está en versión original subtitulado...)

IMÁGENES DEL DERECHO EN EL CINE, de Encuentros de Cine

2009-12-17T16:32:00.000-08:00

Os presentamos un pequeño video en el que imágenes relacionadas con películas de temática jurídica bailan al son de "Piano Thing", tema del grupo musical Muse. Hace unos añitos de este video pero lo reencontramos para inaugurar una nueva sección en la que Encuentros de Cine aportará no sólo letra sino imagen en movimiento. Espero que os guste.

Nos adentramos en ... Dr.Strangelove, de Stanley Kubrick

2009-12-14T08:56:00.000-08:00

Dr. Strangelove or How I learned to stop worrying and love the bomb (Teléfono Rojo. ¿Volamos hacia Moscú? 1963) es un retrato de la Guerra Fría, un tenso conflicto en el que participaron las dos potencias mundiales más fuertes en aquel momento, EE.UU y la URSS. Kubrick describe en su filme la “carrera nuclear”. Sin embargo, el director va más allá de la realidad, cuando uno de los personajes, el general estadounidense Jack D. Ripper, da la orden de atacar el territorio soviético. Nadie podrá detener el ataque, pues solamente el coronel Ripper, quien se suicida, conoce el código para que los aviones militares regresen sin haber lanzado los misiles.

Teléfono Rojo. ¿Volamos hacia Moscú? como el director revela, es una “comedia de pesadilla”, puesto que la historia está filmado bajo un tono satírico y burlesco. Los personajes son caricaturas, así como los son las acciones que llevan a cabo. El talante cómico en que la película narra los acontecimientos contrasta claramente con el tema, pues mientras se debate la posible destrucción de la humanidad, los personajes, irónicamente, se pelean en la sala de Guerra… Los diálogos se tratan con gran cinismo, y el filme resulta cómico debido a lo absurdo de las acciones de los protagonistas, unas acciones cotidianas y triviales dentro de un contexto tan serio y peligroso. Es muy evidente en la escena donde el capitán inglés Mandrake (1er Peter Sellers) trata de hacer una llamada urgente al presidente de EE.UU, pero no tiene moneda de cambio…

Burlándose del mayor peligro que la civilización ha sufrido “gracias” al hombre, el filme ridiculiza la gran paradoja mundial. La historia humana, según el director, está llena de acontecimientos paradójicos: “cinismo, pérdida de los valores espirituales, guerras mundiales, decepción comunista […] Si el mundo moderno pudiera resumirse en una sola palabra sería “absurdo”. La única verdadera respuesta creativa es la versión cómica de la vida”. De nuevo, como en otras películas suyas, Kubrick hace una crítica del autoritarismo, representado aquí por militares y políticos. Sus decisiones son completamente insensatas, y aplican unas leyes que resultan ser del todo ineficaces..

Muffley, presidente de EE.UU (2º Peter Sellers), contacta con el científico alemán Strangelove, (3er Peter Sellers), experto en el funcionamiento de armas de destrucción masiva. El Dr. Strangelove, que da título a la película original, personaje que aparece en silla de ruedas, representa una máquina más que un hombre. Vive en un “estado de delirio provocado por el miedo obsesivo de haber infringido los tabúes de la sociedad, desembocando en la locura”. Por otro lado, este personaje es la encarnación del hombre enamorado de la muerte, de la destrucción y, por lo tanto, de la bomba.

Podemos relacionar la película con el planteamiento freudiano que capta el Malestar en la cultura, puesto que los personajes muestran su lado más agresivo y destructor, al mismo tiempo que se refugian en el sexo y el placer. El conflicto demuestra que los instintos del hombre son más fuertes que las “barreras” racionales que se le impone y deducimos que la humanidad está siempre a un paso de su propia destrucción. Lo estuvo durante la Guerra Fría y, luego, Kubrick ha querido llevar al límite la situación con el cataclismo total. Este planteamiento nos lleva a pensar que ambos instintos, el de vida y muerte, son inherentes al ser humano. Kubrick ya nos presentó tales aspectos en su primer trabajo, El beso del asesino, pero en filmes posteriores, como en La Chaqueta Metálica, el hombre, el arma (la muerte) es un placer, como lo será para el protagonista de La Naranja Mecánica. En la primera película, por ejemplo, los soldados del batallón son obligados a poner un nombre de mujer a sus fusiles. La guerra, la destrucción, así como la propia vida, son fruto del deseo.

Kubrick insinúa tal punto de vista a través de numerosas referencias y metáforas sexuales introducidas en la película, que muestran la enorme vinculación entre el hombre y el placer. Los nombres de los personajes están construidos mediante referencias sexuales. Es el ejemplo, entre otros, del coronel Jack D. Ripper, sustitutivo de “Jack el destripador”, psicópata sexual; el Dr. Strangelove o “Extraño Amor”; Dimitri Kissov (kiss=besar) o el mayor “King” Kong, que aparece leyendo el Playboy. Hay otras referencias en objetos (puros, micrófonos, perfil de los aviones), así como directamente en imágenes (el primer avión aparece en pleno vuelo recordando explícitamente el acto sexual).

Una sociedad masculina (sólo aparece una mujer en el filme) que ha perdido el control no es capaz de percibir la realidad que le rodea. Por un lado, lo vemos a través de la orden que da el coronel Ripper. A lo largo de la película, el personaje está preocupado por un problema sobre la fluorización del agua, que según él estaría provocado por un complot comunista. Su mayor inquietud es su impotencia sexual, que le llevará a ordenar el ataque contra el estado soviético.

Por otra parte, percibimos tal obsesión sexual en la última escena, cuando la bomba destruye la tierra y políticos y militares planean la creación subterránea de una nueva sociedad. Una teoría inhumana en la que por cada hombre habrá diez mujeres, que serán escogidas mediante un ordenador. La locura de este planteamiento, tras haber fracasado el anterior, nos hace pensar que los personajes vuelven a su trabajo sin haber aprendido nada, mostrando la misma actitud fascista y autoritaria de antes.

Leemos la gran ironía del filme en un sugestivo cartel que aparece en territorio americano: “la paz es nuestra profesión”… (“Si vis pacem, para bellum”...). La ironía de tal incongruencia debería denigrar el género humano, pero a través de siglos de civilización el hombre ha tenido semejante voluntad.

La película de Kubrick lo lleva hasta el extremo de la destrucción total. ¿Es el final que nos está destinado? ¿La civilización será capaz de dominar sus impulsos agresivos y evitar así su propia exterminación? Si abrimos bien los ojos veremos el progresivo aumento del miedo y la intranquilidad en el hombre, que según Freud, “están vinculados a su capacidad tecnológica de exterminarse mutuamente”.

El baile de la Victoria, de Fernando Trueba

2009-12-07T16:24:00.000-08:00

Y llegó la nueva película de Fernando Trueba… tan añorados de aquella Belle époque (1992), asistimos a la sala desconcertados tras haber visto algunas de las últimas producciones del director, que pasaron por cartelera sin pena ni gloria (El embrujo de Shanghai… por ejemplo).

Se trata de la adaptación de la novela El baile de la Victoria. No la hemos leído. Sí la hemos visto, y aunque efectivamente salimos tan desconcertados como entramos, no nos dejó con un mal sabor de boca.

Efectivamente, teniendo a Ricardo Darín o Ariadna Gil entre el reparto siempre garantiza un mínimo nivel… por lo menos interpretativo. Eso sí, los actores no suelen salvan ellos solos las películas… y El baile de la Victoria no es una excepción. La película deja mucho que desear, especialmente en cuanto a su verosimilitud, pues la historia no deja en ningún momento de parecernos lejana, ajena… sobretodo gracias a la ayuda de planos “de cartón” pegados artificialmente sobre la imagen (si la veis entenderéis porqué…), y especialmente por la propia narración, que logra digerirse solamente gracias a las buenas interpretaciones y a escenas puntuales, sobretodo humorísticas.

La historia de un preso que, tras decretarse una amnistía general para todos los presos sin delitos de sangre en Chile, con la llegada de la democracia, buscará en la figura de Nicolás Vergara Gray (Darín), un famoso ladrón de bancos que también acaba de salir de la cárcel y trata de buscar a su familia, un apoyo para llevar a cabo un arriesgado robo. Sin embargo, su plan se complicará cuando conozca a Victoria, una bailarina cuyos padres fueron asesinados durante la dictadura de Pinochet. Ambos personajes se entrecruzarán en un mismo camino que les llevara hacia distintos destinos...

Una película, no obstante, curiosa y arriesgada; por lo menos inusual. Aunque un tanto previsible en su final, El baile de la Victoria se deja ver, a pesar de sus dos horas de duración; eso sí, el Fernando Trueba de Belle époque hace tiempo que se quedó allí …

Buscando a Eric, de Ken Loach

2009-12-02T07:20:00.000-08:00

Curiosa la nueva película del director inglés Ken Loach, Buscando a Eric. Curiosa por la tonalidad dulzona, por la mirada refrescante e incluso vitalista que se aleja de lo que nos tenía acostumbrados.

Buscando a Eric narra la historia de Eric Bishop, un cartero de Manchester al que las cosas no le van demasiado bien… sus dos hijastros mantienen trapicheos por el barrio, su hija le acusa de su falta de atención, su mujer le ha dejado y en el trabajo tampoco consiguen animarle. Pero las cosas empezarán a cambiar cuando su mayor ídolo, Eric Cantona, el francés jugador de fútbol del Manchester United, aparezca ante él y, entablando amistad, logre ayudar a Eric a tomar las riendas de su vida.

No es ésta de las mejores películas de Ken Loach, pero en ella podemos hallar lecturas interesantes que salvan un filme que por momentos puede parecer incluso absurdo. Sin embargo, la impecable actuación de los personajes, siempre interpretando papeles de gran verosimilitud, ayudan a configurar una película muy próxima que, a pesar del “fantasma Cantona”, aparece con gran realismo y cercanía.

De clara temática social y plasmando su habitual sello cinematográfico, Loach, no obstante, se aleja, aparentemente, de la crudeza de otras producciones como Sweet Sixteen, Tierra y Libertad o Mi nombre es Joe; Buscando a Eric abre un nuevo horizonte “optimista” y endulzado, al menos esperanzado. Y digo "aparentemente" porque, sin embargo, también podemos mirar la historia con otros ojos, porque, al fin y al cabo, esa felicidad que se transmite en el filme, maquilla una problemática del todo patética y dramática. Sobretodo porque este filme social - futbolístico esconde unos personajes muy actuales... muy del mundo de hoy; personajes que se dejan llevar por ídolos, por otros hombres, y que olvidan que también de uno mismo se puede aprender. Loach sugiere, Loach enseña, pero no nos dice si su mirada termina o no siendo más irónica que esperanzadora...

Una película que se deja ver, sobretodo por su ambientación, por su escenografía, tan cuidada, tan cercana; por sus toques de humor, tan poco Loachianos…

Celda 211, de Daniel Monzón

2009-11-24T07:36:00.000-08:00

Magnífica la llegada de la tan esperada Celda 211, la nueva película de Daniel Monzón, después de su paso por el Festival Internacional de Cine de Sitges. Con un repertorio de lujo, contando entre otros con Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Vicente Romero o Manuel Morón, Celda 211 se proclama candidata a ser una de las mejores películas españolas del año; pero también una de las mejores películas que han pasado estos meses por nuestras carteleras.

A pesar de no poder escapar de algunos chiches típicos de filmes de trama carcelaria, Celda 211 avanza con una profundidad in crescendo, y éstos terminan renovándose. De la violencia inicial, del ruido y el caos surgido de una historia de presos revelados y fugitivos, la narración se tuerce para llevarnos a la problemática terrorista y, consecuentemente, política.

La historia de un funcionario que queda atrapado en un motín carcelario, teniendo que sobrevivir a base de mentiras y falsedades; la historia de unos personajes que nunca llegan a ser lo que parece que son; la historia de un país aterrorizado por las consecuencias que puede provocar todo ello…

Casi dos horas encerrados en prisión, en la que Daniel Monzón logra combinar acción, violencia y sangre sin caer en el americanismo que podíamos sospechar… Cada personaje, cada momento, en su justa medida, incluso la historia de “amor” del protagonista, una pieza más de este puzzle de personajes unidos por espacio y tiempo… Una película dura de digerir, maravillosamente interpretada por unos actores que logran transmitirnos esa doble cara que toma el bien y el mal; y sobretodo, una película valiente en su planteamiento político…

2012, de Roland Emmerich

2009-11-13T16:04:00.000-08:00

2012 llega por fin a nuestras carteleras. Digo por fin porque se ha hecho no poca publicidad del filme… 2012 llega, no obstante, sin despertar demasiadas expectativas. Roland Emmerich, director de obras como Godzilla, Independence day o El día de mañana, nos tiene acostumbrados a mucha forma y poco contenido, así que sabíamos lo que podía ocurrir. Efectivamente, el filme no defrauda en sus pretensiones visuales, pues el espectáculo está bien servido desde el comienzo, pero más allá de la forma…

Y es que, 2012 ofrece la sublimidad en todas sus formas: terremotos, tsunamis, inundaciones, explosiones, maniobras aéreas imposibles, derrumbamientos, volcanes en erupción… vaya, un no parar. Visualmente espectacular, no cabía esperar menos. El problema es que parece que con ello nos conformemos… no hay guión, no hay personajes. O mejor, sí los hay, desgraciadamente, y resultan tan vacíos y frívolos que podríamos optar por ver la película con tapones en los oídos. Parece que la imagen ha ganado el pulso a la palabra, y es que, ¿no podemos exigir de una película de catástrofes, de acción y aventuras, un buen guión, una buena historia de fondo?

Lo mejor, quizás un cierto trasfondo oscuro que, como años atrás había plasmado genialmente Stanley Kubrick en Dr. Strangelove, gira en torno a la crueldad y el egoismo humano a la hora de "salvar" a la humanidad. ¿Quién puede salvarse? ¿Quién decide quien? Sin embargo, algunos de estos rasgos que podrían contruir una buena historia, algo que nos hiciera pensar, reflexionar...que aportara algo...quedan maquillados por la inmensidad de la imagen en movimiento.

Como en tantas otras, empezando por los propios filmes del director, los personajes devienen una excusa para absorber al espectador en unos efectos especiales que efectivamente le ciegan. Por ello, aplausos al finalizar la película. Espero que los que abandonaron la sala lo hicieran porque como película, 2012 resulta soporífera.

Gordos, de Daniel Sánchez Arévalo

2009-11-09T07:28:00.000-08:00

Llegamos a la sala para ver Gordos, la segunda película del director de Azuloscurocasinegro, Daniel Sánchez Arévalo, con las expectativas demasiado altas, tras ver el tráiler y leer algunas entrevistas sobre el director.

En Gordos se narran varias historias sobre distintos personajes que comparten un mismo denominador: la gordura. Y es que la gordura deviene la representación de nuestro vacío, de nuestros temores, de nuestras preocupaciones… de todo aquello que en la sociedad actual acumulamos (a lo grande…) y manifestamos mediante la obesidad (como podría ser mediante otro vicio). En el filme, por lo tanto, la preocupación no es tanto adelgazar sino averiguar el porqué de la obesidad. De esta manera hallamos personajes atormentados, frustrados con sus vidas, con sus parejas, consigo mismos.

Hasta aquí… nos había cautivado. Sin embargo, el filme no logra transmitir todo aquello que quería transmitir, y ese es su peor enemigo. Es cierto que presume de tener escenas llenas de humor, pero también éstas devienen previsibles a medida que avanza la película, con lo cual deviene incluso aburrida y “tonta” por momentos.

Dos largas horas que combinan grandes interpretaciones (soberbio Antonio de la Torre), con una historia que flaquea en su propia ambiciosa apuesta, y olvida terminar de perfilar unos personajes que finalmente dejan de transmitir, de funcionar. Abandonamos la sala con sueño y pocas ganas de reír ya…

Lugares comunes, de Adolfo Aristarain

2009-11-09T07:22:00.000-08:00

"DESPIERTEN EN SUS ALUMNOS EL DOLOR DE LA LUCIDEZ..." No os perdáis esta fabulosa película de Adolfo Aristarain

Barcelona de CINE

2009-11-06T02:01:00.000-08:00

Pocas veces tenemos la oportunidad de convertir la ficción en realidad… ¡pero hay algunas oportunidades muy interesantes!

Desde hace un año aproximadamente existe en Barcelonana ruta guiada, abierta a todos los públicos, que recorre las localizaciones de películas que se han rodado en la ciudad.

La dirige Cristina, guía oficial de turismo, periodista y gran aficionada al cine; el proyecto nació a raíz del revuelo que se organizó en Barcelona con motivo del rodaje de Vicky Cristina Barcelona y las estancias de Woody Allen en la ciudad.

La gente se movía para asistir a las tomas, los descansos para la comida eran “carreras” para ver a Scarlett Johansson entrar en la Pedrera o pasearse por las Ramblas.

Cristina y sus compañeros pensaron en buscar localizaciones de películas que o bien tienen la ciudad como escenario (Todo sobre mi madre, Salvador, Una casa de locos, Vicky, Cristina, Barcelona) o bien han servido para recrear otros ambientes (El embrujo de Shangai, puerto de Barcelona, El perfume, casco antiguo, iglesias góticas), el resultado fue Barcelona de cine. Fruto de este trabajo han recopilado muchas anécdotas de los rodajes de bastantes películas, actores, directores, etc. Os animo a que vayáis, se pasa un buen rato “de película”…

Se realiza los sábados a las 17 h y la gestiona la empresa Icono Serveis Culturals. Y sabéis cinéfilos, una forma de descubrir Barcelona distinta

¡animaos!

La cinta blanca, de Michael Haneke

2009-11-02T11:43:00.000-08:00

Terminó el Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada, y gracias a él pudimos asistir a la proyección de una de las mejores películas que hemos visto este año: La cinta blanca, de Michael Haneke. La ganadora de la Palma de Oro de Cannes de 2009 es una dramática aproximación a los inicios del conflicto de la Primera Guerra Mundial. Todo ocurre en un pueblo protestante del norte de Alemania, sobre los años 1913-1914. Los terribles acontecimientos que tienen lugar en el pueblo devienen una excusa para ir desnudando a sus habitantes, para ir entrando en cada uno de ellos y sacar lo peor y lo mejor de cada uno. Sin embargo, no estamos ante una película de acción, ni ante un thriller ni nada parecido. Haneke, con su característica forma de filmar, tan cercano como sugestivo, tan frío como transparente… elabora una historia al más puro estilo bergmaniano. Una historia de personajes, de diálogo, de palabras; una historia de dureza y crueldad. Un drama lento, tan lento que quedamos atrapado en él.

El fantástico papel de los actores, tanto adultos como niños, sólo es una pequeña parte de la grandeza de esta película. Rodada en un blanco y negro tan eclipsante como aterrador, Haneke demuestra una vez más porque es uno de los mejores directores europeos en activo. Y es que la historia no se desarrolla solamente ante los ojos del espectador; la cámara estática ante planos vacíos, ante escenarios silenciosos, sigue el curso de una historia, cómo no, siguiendo la línea del director austríaco… terrible y turbadora. Y es que el director de Funny Games o La pianista no deja títere con cabeza… y arremete directamente contra la fuerte educación represiva que se practicaba por entonces. Hombres crueles, cerrados, intolerantes, dictatoriales, mezquinos, violentos… contrastan, eso sí, con sus víctimas. Haneke no cierra todas las puertas… el ser humano se descubre también en su forma más ingenua y bondadosa.

No os perdáis esta maravillosa películas cuando se estrene en nuestras salas, el 15 de enero de 2010… vale la pena retener el consejo, Haneke ha vuelto, y muy fuerte.

Especial Encuentros de Cine con AKI KAURISMÄKI

2009-10-30T11:32:00.001-07:00

Encuentros de Cine asistió a la presentación de la película La chica de la fábrica de cerillas, en la que, además de poder ver esta maravillosa (y dramática…) película, tuvimos la suerte de poder escuchar al propio director, Aki Kaurismäki, hacer una pequeña charla introductoria.

Lo que ocurrió en la Filmoteca de Andalucía, entre director, traductor, periodistas y público… os lo dejamos ver, leer y escuchar aquí. Y es que el director finlandés, de apariencia fría y distante, no dio sus primeras palabras hasta que no hubo descorchado su botella de vino blanco (¿no fue él quien dijo una vez que la vida no valía la pena excepto por el vino blanco…?), servido unas copas, y encendido su cigarrillo, entre las risas del público, tan entregado como sorprendido. Aunque se manejaba con algunas palabras en castellano, las preguntas del crítico de "Les Cahiers du Cinéma" Gonzalo de Lucas eran contestadas por su traductor. Os dejamos aquí con parte de la “entrevista” que ha tenido lugar…

Tras hablar sobre la importancia del trabajador en sus películas, Kaurismäki bromeaba apuntando que “todavía admiro el trabajo, desde lejos…no mostraría una escena de un trabajo que no hubiera hecho yo”

G.de Lucas: ¿Y de otro cineasta?

Kaurismäki: varios…incontables…Hollywood en los años 30, por ejemplo. En la época de Roosvelt se respetaba el trabajo del trabajador, y eso se reflejaba en el cine.

G.de Lucas: En Finlandia, me parece que se ruedan películas reales, que no se falsea, que no estás falseando…

Kaurismäki: Demasiado optimista…Das una imagen demasiado idealizada de Finlandia (risas).

G.de Lucas: ¿Dónde está la idealización de la película de hoy? Creo que es desoladora… ¿Cómo surgió la idea?

En estos momentos, el jefe de seguridad de la Filmoteca de Andalucía ya había advertido al director que no podía fumar en la sala, haciéndole apagar su cigarrillo, a lo que, momentos después, Kaurismäki bromeaba preguntándole si podía beber…

Kaurismäki: El punto de partida fue una charla con directores de cine, como la de hoy. Todos se quejaban de la falta de guiones. Yo quería fumarme un cigarrillo, pero no tenía encendedor, así que cogí unas cerillas – en este momento, el director vuelve a encenderse un cigarrillo y, de nuevo, corriendo vuelven a advertirle “señor, que no puede fumar”, con lo que él bromea “era un ejemplo de lo que estaba explicando, y aprovecha para dar unas caladitas…” – quería demostrar que se puede escribir algo incluso de unas cerillas. Improviso, nada más. Así se hizo la película. Como dijo Godard, “¿acaso es improvisación si decides un segundo antes?”

G.de Lucas, a continuación, trata de valorar una escena de la película, pero el director, junto con los silbidos del público, le interrumpe para bromear: ¿Se suele revelar las películas antes de verlas en este festival?

Kaurismäki,seguidamente, siguió bromeando sobre la interpretación de G. de Lucas, el cual veía cierta “felicidad” en una escena del filme. “Has malinterpretado la película… ¿Cómo son tus momentos de felicidad?”, le respondía.

El director, atendiendo a otras preguntas, sostuvo que faltan ideas en el cine actual, y que se ha perdido la noción de los dos lados del objetivo, esto es, los actores y el público.

Tras finalizar la entrevista, el público también realizó diversas preguntas, que dieron lugar a que Kaurismäki bromeara sobre el gélido clima finlandés, relacionándolo con la inexpresividad de sus personajes…”El Mediterráneo queda un poco lejos…Al comienzo de la historia, los hombres más tristes se fueron al norte, seguro…”

Y así, bromeando, y preparándose el cigarrillo de salida, Aki Kaurismäki abandonaba la sala para que pudiéramos disfrutar de una durísima La chica de la fábrica de cerillas. Y es que, tras la proyección, Encuentros de Cine tuvo la ocasión de estrechar manos con el director (quien terminaba de disfrutar el tapeo andaluz).

Tras comunicarle la dureza del filme, Kaurismäki levantó los brazos y con su talante frío ironizó: “Viva el optimismo”. Tampoco nosotros habíamos hallado signos de felicidad en sus imágenes.

Aki Kaurismäki y Joe Swanberg, homenajeados en el Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada

2009-10-30T06:44:00.000-07:00

El FIJR (Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada) contará, en su décimosexta edición, con dos invitados de renombre. Uno de ellos consolidado en el panorama europeo desde los años 80, Aki Kaurismäki, con un estilo un poco excéntrico e inimitable, y que ha acaparado en la actualidad la quinta parte de la producción cinematográfica finlandesa. Y el otro comienza a despuntar en festivales independientes norteamericanos, Joe Swanberg, exponente de una nueva corriente cinematográfica conocida como “Mumblecore” .

Por una parte, el director finés recibirá un homenaje por su trayectoria fílmica en el que se exhibirán algunas de sus mejores cintas, piezas claves del cine europeo contemporáneo. Un autor que no sólo ha destacado en la industria del largometraje sino que también se ha ido haciendo hueco en el mundo del cortometraje, contando con un total de once obras, la última “The Foundry”, una pieza de 2007 que formó parte del homenaje que diversos cineastas dedicaron al Festival de Cannes con motivo de su 60º aniversario. Y por otro lado, Joe Swanberg, una joven promesa norteamericana que pese a su corta edad ha recibido el aplauso de los mejores festivales indies, tales como el SXSW (South by Southwest) de Austin. Así pues, se le dedicará una retrospectiva inédita en España en la que se revisará su producción, incluyendo su última obra, “Alexander the last”, que formará parte de la sección competitiva de largometrajes en primicia nacional. “No es simplemente otra película “Mumblecore“. Es más que eso: fresca, profunda y misteriosa" comentaba con respecto a este reciente trabajo una de las revistas estadounidenses más leídas, “Entertainment Weekly“.

Séptimo Vicio, Notícias de Cine

(Ideal.es)

This is it, de Kenny Ortega

2009-10-29T11:46:00.000-07:00

Nunca un título en inglés tuvo tantos intentos de traducción literal que pudieran significar lo mismo, y a su vez, algo diferente.

Michael Jackson aún no ha muerto, al menos hasta dentro de 13 días. Se fue, pero nos dejó mil y una cosas. A las personas se las debe valorar como un todo, cierto, pero parece que a él no se le miró así. Para bien y para mal. Unos alaban su magnificencia hasta reunir masas ingestas de personas, con más o menos gracia, con un guante blanco por las calles de todo el mundo. Otros se escudan en toda su polémica para no escuchar las canciones. Ni tanto ni tan atún: Cantante extraordinario, personaje público desastroso. Y es que en la sala de cine hubo gente que se fue a media película y otra que intentaba incitar a los demás a levantarse, a cantar y a bailar. Los que no nos levantamos movíamos tímidamente los pies al ritmo de su música. Y es que el mundo se ha perdido un gran concierto. This is it no funciona como película pero tampoco pretende serlo. El target de marketing establecido son aquellos que hubieran querido asistir a su última gira, por lo que nadie debe esperarse ni un documental basándose en su vida y milagros ni nada por el estilo. Son las simples imágenes de un "making of" que hubiese ido incluído en el dvd de la gira. Eso sí, el partido emocional que se le saca es indudable y eso es gracias a un original montaje continuado.

A parte de ver como preparan la gira con los bailarines emocionados por bailar con el rey y sus movimientos espásmicos sobre el escenario, lo interesante es ver a un Michael más real. Se le ve corrigiendo los errores en los ensayos, ejerciendo de líder y controlando TODO lo que sucede mientras él está en escena. Cómo domina la situación y cómo pone los puntos sobre las íes a todos sus colaboradores, eso sí, añadiendo su coletilla cariñosa: ejemplo: "Bronca bronca bronca...pero te lo digo con A-M-O-R" y no un amor irónico, sinó de verdad. Esto es lo que hace de la película un producto interesante. Y para los más cinéfilos, el "remake" de thriller, otros nuevos videoclips, pero sobretodo un montaje increíble con Michael Jackson en blanco y negro, recogiendo el guante de Rita Hayworth en "Gilda" después de cantar "Put the blame on me" o una persecución donde se intenta zafar de Humphrey Bogart. Apasionante. Totalmente recomendable ir al cine a verla, aunque solo queden 13 días antes de salir de cartelera y poder decir, por fin, THIS IS IT.

Gladiator, de Ridley Scott

2009-10-28T04:56:00.000-07:00

Millenium 2, de Daniel Alfredson

2009-10-24T06:21:00.000-07:00

Millenium 2, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, dirigida por Daniel Alfredson, llega a nuestras carteleras con gran expectación tras el éxito de la Trilogía Millenium (literaria). Tras la buena acogida de la primera parte, ésta segunda ha llegado a nosotros un tanto descafeinada. Y es que en esta ocasión, aunque se nos revelen datos nuevos que ayudan a desenvolver esa intriga que despertaba la primera parte, la película, paradójicamente, pierde ritmo. Y lo pierde porque Millenium 2 está más pendiente de la forma que del contenido, y sin un equilibrio nos perdemos entre tanto crimen y acción, olvidando aquellos personajes que tenían identidad, que tenían vida. Así nos desentendemos de la propia historia, y ésta se convierte en puro entretenimiento, en buen entretenimiento, pero en una película encaminada al montón, a otra producción más.

Aun así, la película se deja ver, sobretodo, claro, si hemos visto Millenium, los hombres que no amaban a las mujeres, y queremos saber cual es el destino que les depara a los protagonistas. Ahora, no os hagáis ilusiones, precisamente echaréis de menos la construcción de los personajes de la primera parte, y eso le hace perder mucho a esta segunda parte de la trilogía…

Ágora, de Alejandro Amenábar

2009-10-22T06:55:00.000-07:00

A FAVOR

Ágora es una película que pide su tiempo, que no acelera más que en contadas ocasiones y que no tiene la adrenalina o la acción que se suponía una vez visto el trailer, donde se suponía que ese ataque de la multitud y encerrarse en esa “fortificación” iba a ser un punto importante de la película. Cierto. Muchos detractores del film dicen que vende un poco de humo y que no está a la altura en cuánto acción suponiéndose la época que trata. También cierto. Y lo malo de las películas de Tarantino es que haya sangre. Y si en las de los Coen no muriese nadie serían mucho mejores. Lo de las peras al olmo, vamos. Con eso no quiero decir que Amenábar no pueda hacer una de acción, pero si esperábamos eso, tendríamos que haber ido a ver la de Bruce Willis. Ágora es una aproximación personal a la vida de otra persona y la calidad reside en hacer un film que podría haberse titulado Hypatia pero que no cae en la biografía sinó en la percepción, a partir de una persona en concreto, de lo que fue una época. A parte de esa gran virtud, irreprochable la labor de una Rachel Weisz espléndida.

Si algo hay de negativo es que es una superproducción que, a mi entender, no está destinada a un público mayoritario, o que al menos no lo recibirá con los brazos tan abiertos. Por otro lado, la constante alusión a la distancia con esos “planos secuencia” desde el universo hasta pleno ágora son metáforas visuales excelentes para comprender que las sensaciones y las creencias que uno tiene sobre algún hecho, debe calibrarse con el paso del tiempo, que no es más que una medida de distancia. Y que, por eso, quizá, esta historia, la de Hypatia, no debía ser contada hasta ahora.

EN CONTRA

Después de ver Ágora, me preguntaba… ¿una reconstrucción de unos acontecimientos históricos, es decir, la implantación del cristianismo en la ciudad de Alejandría en época romana? ¿Una historia de amor entre una filósofa y su discípulo? ¿Una historia de amor entre un esclavo y su ama? ¿La historia de Hypatia, la filósofa a la que sus ideas le forjaron un destino demasiado oscuro? Aquellos planos aéreos de las playas por las que paseaba Ramón Sampedro en Mar Adentro regresan para abrazar un universo mal cerrado, tan abierto como las historias de un filme demasiado ambicioso. Y el resultado es de insatisfacción. Porque hallamos unos personajes demasiado planos; porque carece de verosimilitud en la narración; porque todo empieza pero nada termina…(salvo la película); porque incluso en su violencia, la película aburre (y dura 105 minutos).

No podemos negar la belleza y la profundidad (tan histórica como filosófica) en la mirada del director, tan simbólica, tan presente a lo largo del filme, tejiendo una denuncia contra la intolerancia, plasmada en este caso en el fanatismo cristiano. Sin embargo, ahí queda, todo en el aire, todo abierto, personajes que divagan pero que nunca logran transmitirnos emoción alguna, y esa mirada se pierde en su propio mirar.

La Naranja Mecánica, de Stanley Kubrick

2009-10-19T11:25:00.000-07:00

Últimas críticas: REC2 y Si la cosa funciona ... de Woody Allen

2009-10-18T12:45:00.001-07:00

Os dejamos con las últimas películas vistas en carteleras granainas: Rec2, de Jaume Balagueró y Paco Plaza, y Si la cosa funciona, de Woody Allen. La esperada segunda parte de aquella aclamada Rec, que se estrenó en el Festival de Cine de Sitges de hace dos años, ha llegado a nuestras carteleras con demasiadas espectativas, dado el resultado final. Nos ha decepcionado. Por la pérdida del realismo primero. Por la complejidad de una trama que se va por terrenos (creemos) inadecuados. Por 92 minutos que incluso se hinchan de escenas que no tienen ninguna repercusión. Por muchos motivos, Rec2 nos defraudó; estáis avisados, ya nos diréis.

Muy diferente la sensación con la que abandonamos la sala después de ver Si la cosa funciona. Vuelve el gran Woody Allen con su mejor cine. No os perdáis su nueva película, ambientada, de nuevo, en su estimada Nueva York. El mejor humor vuelve a nuestras pantallas con un pletórico Larry David encarnando al alter ego del director. Un guión lleno de sarcasmo, crítica, ironía y humor, mucho humor. Fantásticas todas las interpretaciones, por no hablar de una historia in crescendo que nos fascina de principio a fin. ¡¡¡No os la perdáis!!!

El Secreto de sus ojos, de Juan José Campanella

2009-10-18T12:34:00.000-07:00

Llegó a nuestras carteleras la nueva película del director argentino Juan José Campanella, tan aclamado por su maravillosa película El hijo de la novia, así como por otras (menos aclamadas pero “tan lindas” en nuestra opinión), como Luna de Avellaneda o El mismo amor, la misma lluvia. Llega El secreto de sus ojos, protagonizada por los habituales Ricardo Darin o Soledad Villamil, y por un fantástico Guillermo Francella.

De hecho, seguramente la gran actuación de los protagonistas es lo que ofrece la mayor fuerza de la película, si más no, aportando una mayor credibilidad y cautivando al espectador, quien es introducido en el filme a través de los personajes, a través de sus historias. Soberbias las interpretaciones de los tres protagonistas, quienes logran hacer lucir un guión tan dramático como sentimental, tan cómico como trágico. Tal vez sea esta combinación de sentimientos lo que permite que El secreto de tus ojos no caiga en algo banal y llano. Todo lo contrario, la película cobra fuerza por sus diversas tramas, por la combinación ya de cine cómico, ya romántico, ya negro, ya policial, ya histórico, ya jurídico.

Campanella adorna una historia común, precisamente, mediante ese secreto que se esconde en cada uno de los personajes, ese misterio que no abandona las miradas de cada uno de ellos, y los invade de amor, de venganza, de arrepentimiento, de cobardía, de miedo, de valor… logrando así una película, en nuestra opinión, muy recomendable para todo el público. Y por favor… no caigáis en comparaciones con El hijo de la novia…